나야 I Na Ya
1
나야(Na Ya ) 약력
빌게이츠_20P
Time_Oil on canvas. 2022
베니치아의 하루_ 91.0 x 91,0cm_oil on canvas
피에타(Pieta)_ 130 X130cm_Oil on canvas_2014
사비니 여인들의 약탈, 91x33.4cm,oil on canvas, 2018
잡스의 열정 jOBS PASSION, 33.4cm x 24.2cm, oil on canvas, 2018
‘나야의 페인팅
그림 수업 과정에서 정확한 형태묘사는 왜 필요한 것일까? 또한 연필 데생(소묘)은 왜 필요한 것일까? 그것은 단점으로 말해 자유자재한 손의 기능과 상상의 자유를 얻기 위해서이다. 사실적인 묘사력이 완비되면 우선 그린다는 일에 자신감이 생기고, 조형적인 상상력은 장유의 날개를 얻게 된다. 김나야는 초기 그림공부를 시작하는 단계부터 오늘까지 줄곧 소묘에 집착해 왔고 재현적인 묘사에 충실해 왔다. 그 결과 수채화에서는 쉽지 않은 깊이 와 두터움을 얻고 있다.여기서 말하는 공간감이란 원근법이라든가 명암법에 의한 입체감과는 의미가 다르다. 한마디로 종이라는 평면적인 조건에서의 일루젼의 단계를 지나서 실현되는 공기층이 형성돼 있는 실제적인 공간을 말한다.이러한 결과는 순전히 손의 기능적인 숙달만으로 이루어지는 것은 아니다. 사물을 세심히 관찰하여 재현하는 과정에서 치밀하고 정확한 묘사를 통해 이해되는, 과학적이고 이지적인 접근방식의 소산이다. 눈에 보이는 사실에 근거하여 눈에 보이지 않은 사실을 들여다 보는 능력은 오랜 시간의 노력과 경험에서 비롯되는 것이다.무엇보다도 데생 자체를 의심하지 않는 가운데 얻을 수 있다는 점에서 보면 데생이 충실해온 일관된 그의 입장으로서는 당연한 결실인 셈이다.물론 그의 수채화는 명암처리에서 시각적인 정확성을 보여줄뿐더러, 교육에 의한 관습적인 시각에 머물지 않고 사물 그 자체의 실제적인 형태에 육박해 들어가는 진지함과 정열에 사로잡히고 있다.어쩌면 형태 파괴를 아주 당연한 것으로 여기는 컨템포러리의 입장에서 보면 답답하게 느낄 수 도 있다. 실제로 그림을 시작한지 20여년이 넘었건만 그는 여전히 초기의 태도를 고수하고 있다. 전혀 변화가 없는 듯이 보인다.하지만 최근의 겨울풍경 몇 점은 분명히 시간차이를 느낄 수 있다.비로소 그림 속에 공기가 들어와 있는 것이다. 더구나 ‘종이 위에 수채’ 임에도 불구하고 거기에서는 종이라는 평면적인 조건을 감지할 수 없을 정도가 됐다. 소재 및 대상에 바짝 다가섬으로써 그 실체를 장악할 수 있게 된 것이다. 수채를 이용한 사실적인 정물화는 시각적인 이해를 뛰어 넘는 실제감을 보여준다. 그렇다고 해서 눈에 보이는 사실에만 충실하고 있는 것은 아니다. 정물에 부여되고 있는 실제감은 그 소재가 놓여 부여되고 있는 공간과의 실질적인 관계에 의해 성립되고 있다. 실질적인 관계 즉 시각적인 착시를 통해 보이는 눈속임이 아니라 실물을 전제로 하는 실상(實相)의 구현을 의미한다.어느 면에서 그의 그림은 사진처럼 정밀하지는 않다 회화라는 인상을 강조하려는 더러는 거친 붓 자국이 눈에 띄기도 한다. 그런 측면에서 보면 그의 수채화는 세련됐다고 할 수 없다. 그렇다. 그는 이른바 ‘빈틈없는 완성’을 추구하지는 않는다. ‘잘 그린다’는 점에서 보면 그의 그림은 오히려 부분적으로는 어설픈 감이 없지 않다. 그 어설픔이란 달리 표현하면 표현적인 순수성이라고 할 수 있다. 기교적인 세련미를 추구하지 않고 단지 회화적인 진실만을 보려는데 따른 소박함일 수도 있다. 그래서일까? 그의 그림은 쉽사리 실증 나게 만들지 않는다. 그가 즐겨 다루는 우리의 옛 것들 (가마니, 광주리, 망태기, 바가지, 키, 다리미)처럼 편한 느낌으로 다가온다. 처음에는 투박해 보이지만 찬찬히 뜯어볼수록 친근감을 느낄 수 있다. 오랜 시간을 두고 매만지는 소재들의 이미지는 그렇게 정감어린 표정을 짓고 있다. 그는 10호 남짓한 정물화 하나에만 한 달씩 걸린다고 한다. 정밀하게 묘사하기 때문은 아니다. 시간을 두고 작업을 하면서 실상과 허상(그림)이 하나로 되는 착각 속에 사로잡히기를 기대하기 때문인지 모른다. 그에게 순간적인 충동은 없다. 소재에 시선을 고정시킴으로써 실상은 심상화되고 결과적으로 그가 종이 위에 재현하는 것은 심상의 표출이라고 할 수 있다. 즉 사물의 형태를 마음속에 익히는 시간이 그에겐 필요한 것이다.좋은 그림을 그리기 위해서는 부단한 노력과 함께 일정한 시간이 필요하다. 시간을 잡아먹는 그림은 그만한 깊이와 무게와 두터움을 갖게 된다. 과작인 탓에 그만큼 작품 하나하나에는 일정한 시간이 소요되고 있다. 손끝의 재능에만 의존하는 감각적인 작업과는 확실히 다른 진솔함이 있다. 하지만 그도 ‘시간 죽이기’ 라는 작업방식에서 벗어나도 좋을 때가 됐다고 본다. 뿐만 아니라 제한된 소재중의에서 탈피 보다 다양하고 다채로운 소재 찾기를 통해 잠재되었거나 또는 억제돼온 재능을 확인해 나가는 태도가 필요하다는 생각이다. 바꾸어 말해 보다 적극적이고 도전적인 창작활동을 전개할 수 있기를 기대한다. 지금껏 착실히 다져온 역량을 스스로 확인해 나가는 즐거움에 맡겨 보라는 뜻이다.유채화라면 또 어떤가? 이미 70년대 후반에 보여주었던 유채화에 대한 조형감각을 회복하는 것은 힘든 일이 아니라고 보는 까닭이다. 그 자신은 그를 위해 이미 마음을 다잡고 있는지 모를 일이다. On Naya’s painting Why accurate shape depiction is necessary for us to learn painting? In addition, why pencil dessin (rough drawing by pencil is necessary?Simply saying that the answer is to gain a dexterous functionality of hand and a freedom of imagination. Ability of graphical depiction enables you to have a confidence on you painting and to enhance your ability of imagination.Naya Kim has focused on a rough drawing all the time and representative depiction from the early stage of her painting study until now. As a result of this, her water-colored painting has a depth, which is hardly shown in a normal water-colored painting. It shows ‘spatial feeling’, the felling when you see the object in a very near place.‘Spatial feeling’ in this context means different from the ‘cubic effect’, which could be gained by the method of ‘perspective representation’ or ‘shading (chiaroscuro)’. It simply means virtual existing space, like air band exists near mountain, which is realized on the second-dimension paper following illusion step. This effect is not acquired simply by the functional dexterity of hand. This result is well understandable by the point of accurate depiction, and is acquired by a scientific and sophisticated way of approach through the process of precise observation and representation. The ability of looking into invisible fact based on the visible fact comes from effort and experience for a long time period. It is no wonder for her to accomplish this good result by considering her continuous attitude devoted to rough-drawing. Her water-colored painting shows visual accuracy in dealing with light and darkness as well as prudence and enthusiasm based on emphasis on the shape depiction of object itself.In same senses, it looks not enough on the point of ‘contemporary painting’, in which shape destruction of object is common. Even though, it has been 20 years for her to start painting, she continued to keep her original painting style. Nothing seems to be changed so much. However I can find significant time difference in a few her recent paintings related to winter landscape. I can smell the air on her painting.Despite the water-colored painting in the paper, it is hard to recognize the concept of paper the second-dimension, there. As she approaches to the painting material and object, she gets to able to control them. Picturesque still-life painting using water-colored style displays really-existing-felling more than visual understanding. Even so, visible object is not a final consideration to her. Really-existing-felling comes from the substantial relationship between the object is located. The substantial relationship means not optical maneuver through visual illusion, but realization of true reality based on the real object. In some aspects, her painting is not as accurate as photo. To give an impression that it is a painting, she leaves rough touch of brush on the paper. In that sense, I could not say that her painting is not refined. It is sure that she does not purse, so-called, the perfect completion. In the perspective of ‘well-painted’, her painting contains some defects in part. In other words, this defect can be said to be expressive purity. It could be said to be simplicity pursing only picturesque truth, rather than pursing only picturesque truth, rather than pursing technical refinement. That’s why her painting does not make us fell boring. Her painting does make us feel comfortable like the frequently used painting material, old Korean small pieces.Maybe you feel crude impression at first sight, but later feeling of familiarity comes to us. The painting subject, which has been used for a long time, has a familiar image inside.She said it takes a more than one month to paint even a small-sized one.It is not because of meticulous way of depiction. She intends to create one single image between the real object and image she thought in her mind by taking time. She does not have an instant impulse. She visualizes the image in her mind, which is based on the real object by looking at it, and then expresses the image on the paper. Thus her painting is an outcome of her image located inside. That is the reason why she needs an enough time to visualize an image.Continuous effort and enough time are necessary for good painting. Painting with enough time possesses depth and value in painting itself. Her painting needs a certain amount of time. Her painting shows a simplicity compared to painting of other painters depending on the technical dexterity of hand. But in my opinion, from now on, it’s time for her to overcome ‘time-consuming’ working style. To be more, through overcoming her confined choice of painting material and diversifying it widely, it is necessary to identify her potential dormant talent from the inside.In other words, I expect more progressive and challenging attitude from her. I also recommend her to enjoy the process of identifying her dormant talent, which will come from her professional competency.Why not oil-painting? In my opinion, it could be not hard task to rejuvenate her modeling sense which was already shown in late 1970. I suppose maybe she decided her mind already for it.
김나야 / Kim Na Ya 1977. 세종대학교 회화과 졸업개인전 5회 (부스전2회) 초대전2013 김나야초대전 (가가갤러리, 서울) 아트페어2022 BLUE ART FAIR CHOSUN (부산)2021 서울아트쇼 (서울 COEX)2021 조형아트서울 (서울, COEX)2020 부산 BAMA (부산, BEXCO)2019 런던 햄스테드 AAF (UK)2018 서울아트쇼 (서울 COEX)2014 KIAF (서울,코엑스전시홀) 외, SOAF부산BEXCO,대구 EXCO, YIAF 등 그룹전현대미술전 (서울,가가갤러리)목우회 정기전 (서울, 예술의 전당)한국-남아프리카 현대작가 교류전서초 GOOD Artist 기획초대전 (우덕갤러리)모란꽃 사생작가 초대전(감동문화원)등 수상 : (79,81년) 국전 2회 입선 현재 : 한국미술협회이사,목우회,한국여류작가회 Na YaGraduated Sejong University in 1977 (majored in painting).Solo Exhibition 4 times.Invited Exhibition for opening commemoration in Ga Ga Gallery 2013.Be selected in ‘Korea National Art Exhibition’ 2 times in 1979 and 1981.Participated in ‘Korea-South Africa Contemporary Artists International Exchange Exhibition’, ‘Korea-Japan Light Exhibition’, ‘International Culture Plus 2010 Tokyo & Seoul Exhibition’, ‘Sejong Fine Art Festival’, ‘Korea International Art Fair’, ‘Seoul Open Art Fair’, ‘Artshow Busan’, ‘Yeosu International Art Festival’, ‘Daegu Art Fair’.Present member of Korea Woman Artists Association, Mok Woo Association, and Korea Fine Arts Association (Director in Division of Western Painting II). 관리자 2022.05.11
빌게이츠_20P
Time_Oil on canvas. 2022
베니치아의 하루_ 91.0 x 91,0cm_oil on canvas
피에타(Pieta)_ 130 X130cm_Oil on canvas_2014
사비니 여인들의 약탈, 91x33.4cm,oil on canvas, 2018
잡스의 열정 jOBS PASSION, 33.4cm x 24.2cm, oil on canvas, 2018
‘나야의 페인팅
그림 수업 과정에서 정확한 형태묘사는 왜 필요한 것일까? 또한 연필 데생(소묘)은 왜 필요한 것일까? 그것은 단점으로 말해 자유자재한 손의 기능과 상상의 자유를 얻기 위해서이다. 사실적인 묘사력이 완비되면 우선 그린다는 일에 자신감이 생기고, 조형적인 상상력은 장유의 날개를 얻게 된다. 김나야는 초기 그림공부를 시작하는 단계부터 오늘까지 줄곧 소묘에 집착해 왔고 재현적인 묘사에 충실해 왔다. 그 결과 수채화에서는 쉽지 않은 깊이 와 두터움을 얻고 있다.여기서 말하는 공간감이란 원근법이라든가 명암법에 의한 입체감과는 의미가 다르다. 한마디로 종이라는 평면적인 조건에서의 일루젼의 단계를 지나서 실현되는 공기층이 형성돼 있는 실제적인 공간을 말한다.이러한 결과는 순전히 손의 기능적인 숙달만으로 이루어지는 것은 아니다. 사물을 세심히 관찰하여 재현하는 과정에서 치밀하고 정확한 묘사를 통해 이해되는, 과학적이고 이지적인 접근방식의 소산이다. 눈에 보이는 사실에 근거하여 눈에 보이지 않은 사실을 들여다 보는 능력은 오랜 시간의 노력과 경험에서 비롯되는 것이다.무엇보다도 데생 자체를 의심하지 않는 가운데 얻을 수 있다는 점에서 보면 데생이 충실해온 일관된 그의 입장으로서는 당연한 결실인 셈이다.물론 그의 수채화는 명암처리에서 시각적인 정확성을 보여줄뿐더러, 교육에 의한 관습적인 시각에 머물지 않고 사물 그 자체의 실제적인 형태에 육박해 들어가는 진지함과 정열에 사로잡히고 있다.어쩌면 형태 파괴를 아주 당연한 것으로 여기는 컨템포러리의 입장에서 보면 답답하게 느낄 수 도 있다. 실제로 그림을 시작한지 20여년이 넘었건만 그는 여전히 초기의 태도를 고수하고 있다. 전혀 변화가 없는 듯이 보인다.하지만 최근의 겨울풍경 몇 점은 분명히 시간차이를 느낄 수 있다.비로소 그림 속에 공기가 들어와 있는 것이다. 더구나 ‘종이 위에 수채’ 임에도 불구하고 거기에서는 종이라는 평면적인 조건을 감지할 수 없을 정도가 됐다. 소재 및 대상에 바짝 다가섬으로써 그 실체를 장악할 수 있게 된 것이다. 수채를 이용한 사실적인 정물화는 시각적인 이해를 뛰어 넘는 실제감을 보여준다. 그렇다고 해서 눈에 보이는 사실에만 충실하고 있는 것은 아니다. 정물에 부여되고 있는 실제감은 그 소재가 놓여 부여되고 있는 공간과의 실질적인 관계에 의해 성립되고 있다. 실질적인 관계 즉 시각적인 착시를 통해 보이는 눈속임이 아니라 실물을 전제로 하는 실상(實相)의 구현을 의미한다.어느 면에서 그의 그림은 사진처럼 정밀하지는 않다 회화라는 인상을 강조하려는 더러는 거친 붓 자국이 눈에 띄기도 한다. 그런 측면에서 보면 그의 수채화는 세련됐다고 할 수 없다. 그렇다. 그는 이른바 ‘빈틈없는 완성’을 추구하지는 않는다. ‘잘 그린다’는 점에서 보면 그의 그림은 오히려 부분적으로는 어설픈 감이 없지 않다. 그 어설픔이란 달리 표현하면 표현적인 순수성이라고 할 수 있다. 기교적인 세련미를 추구하지 않고 단지 회화적인 진실만을 보려는데 따른 소박함일 수도 있다. 그래서일까? 그의 그림은 쉽사리 실증 나게 만들지 않는다. 그가 즐겨 다루는 우리의 옛 것들 (가마니, 광주리, 망태기, 바가지, 키, 다리미)처럼 편한 느낌으로 다가온다. 처음에는 투박해 보이지만 찬찬히 뜯어볼수록 친근감을 느낄 수 있다. 오랜 시간을 두고 매만지는 소재들의 이미지는 그렇게 정감어린 표정을 짓고 있다. 그는 10호 남짓한 정물화 하나에만 한 달씩 걸린다고 한다. 정밀하게 묘사하기 때문은 아니다. 시간을 두고 작업을 하면서 실상과 허상(그림)이 하나로 되는 착각 속에 사로잡히기를 기대하기 때문인지 모른다. 그에게 순간적인 충동은 없다. 소재에 시선을 고정시킴으로써 실상은 심상화되고 결과적으로 그가 종이 위에 재현하는 것은 심상의 표출이라고 할 수 있다. 즉 사물의 형태를 마음속에 익히는 시간이 그에겐 필요한 것이다.좋은 그림을 그리기 위해서는 부단한 노력과 함께 일정한 시간이 필요하다. 시간을 잡아먹는 그림은 그만한 깊이와 무게와 두터움을 갖게 된다. 과작인 탓에 그만큼 작품 하나하나에는 일정한 시간이 소요되고 있다. 손끝의 재능에만 의존하는 감각적인 작업과는 확실히 다른 진솔함이 있다. 하지만 그도 ‘시간 죽이기’ 라는 작업방식에서 벗어나도 좋을 때가 됐다고 본다. 뿐만 아니라 제한된 소재중의에서 탈피 보다 다양하고 다채로운 소재 찾기를 통해 잠재되었거나 또는 억제돼온 재능을 확인해 나가는 태도가 필요하다는 생각이다. 바꾸어 말해 보다 적극적이고 도전적인 창작활동을 전개할 수 있기를 기대한다. 지금껏 착실히 다져온 역량을 스스로 확인해 나가는 즐거움에 맡겨 보라는 뜻이다.유채화라면 또 어떤가? 이미 70년대 후반에 보여주었던 유채화에 대한 조형감각을 회복하는 것은 힘든 일이 아니라고 보는 까닭이다. 그 자신은 그를 위해 이미 마음을 다잡고 있는지 모를 일이다. On Naya’s painting Why accurate shape depiction is necessary for us to learn painting? In addition, why pencil dessin (rough drawing by pencil is necessary?Simply saying that the answer is to gain a dexterous functionality of hand and a freedom of imagination. Ability of graphical depiction enables you to have a confidence on you painting and to enhance your ability of imagination.Naya Kim has focused on a rough drawing all the time and representative depiction from the early stage of her painting study until now. As a result of this, her water-colored painting has a depth, which is hardly shown in a normal water-colored painting. It shows ‘spatial feeling’, the felling when you see the object in a very near place.‘Spatial feeling’ in this context means different from the ‘cubic effect’, which could be gained by the method of ‘perspective representation’ or ‘shading (chiaroscuro)’. It simply means virtual existing space, like air band exists near mountain, which is realized on the second-dimension paper following illusion step. This effect is not acquired simply by the functional dexterity of hand. This result is well understandable by the point of accurate depiction, and is acquired by a scientific and sophisticated way of approach through the process of precise observation and representation. The ability of looking into invisible fact based on the visible fact comes from effort and experience for a long time period. It is no wonder for her to accomplish this good result by considering her continuous attitude devoted to rough-drawing. Her water-colored painting shows visual accuracy in dealing with light and darkness as well as prudence and enthusiasm based on emphasis on the shape depiction of object itself.In same senses, it looks not enough on the point of ‘contemporary painting’, in which shape destruction of object is common. Even though, it has been 20 years for her to start painting, she continued to keep her original painting style. Nothing seems to be changed so much. However I can find significant time difference in a few her recent paintings related to winter landscape. I can smell the air on her painting.Despite the water-colored painting in the paper, it is hard to recognize the concept of paper the second-dimension, there. As she approaches to the painting material and object, she gets to able to control them. Picturesque still-life painting using water-colored style displays really-existing-felling more than visual understanding. Even so, visible object is not a final consideration to her. Really-existing-felling comes from the substantial relationship between the object is located. The substantial relationship means not optical maneuver through visual illusion, but realization of true reality based on the real object. In some aspects, her painting is not as accurate as photo. To give an impression that it is a painting, she leaves rough touch of brush on the paper. In that sense, I could not say that her painting is not refined. It is sure that she does not purse, so-called, the perfect completion. In the perspective of ‘well-painted’, her painting contains some defects in part. In other words, this defect can be said to be expressive purity. It could be said to be simplicity pursing only picturesque truth, rather than pursing only picturesque truth, rather than pursing technical refinement. That’s why her painting does not make us fell boring. Her painting does make us feel comfortable like the frequently used painting material, old Korean small pieces.Maybe you feel crude impression at first sight, but later feeling of familiarity comes to us. The painting subject, which has been used for a long time, has a familiar image inside.She said it takes a more than one month to paint even a small-sized one.It is not because of meticulous way of depiction. She intends to create one single image between the real object and image she thought in her mind by taking time. She does not have an instant impulse. She visualizes the image in her mind, which is based on the real object by looking at it, and then expresses the image on the paper. Thus her painting is an outcome of her image located inside. That is the reason why she needs an enough time to visualize an image.Continuous effort and enough time are necessary for good painting. Painting with enough time possesses depth and value in painting itself. Her painting needs a certain amount of time. Her painting shows a simplicity compared to painting of other painters depending on the technical dexterity of hand. But in my opinion, from now on, it’s time for her to overcome ‘time-consuming’ working style. To be more, through overcoming her confined choice of painting material and diversifying it widely, it is necessary to identify her potential dormant talent from the inside.In other words, I expect more progressive and challenging attitude from her. I also recommend her to enjoy the process of identifying her dormant talent, which will come from her professional competency.Why not oil-painting? In my opinion, it could be not hard task to rejuvenate her modeling sense which was already shown in late 1970. I suppose maybe she decided her mind already for it.
김나야 / Kim Na Ya 1977. 세종대학교 회화과 졸업개인전 5회 (부스전2회) 초대전2013 김나야초대전 (가가갤러리, 서울) 아트페어2022 BLUE ART FAIR CHOSUN (부산)2021 서울아트쇼 (서울 COEX)2021 조형아트서울 (서울, COEX)2020 부산 BAMA (부산, BEXCO)2019 런던 햄스테드 AAF (UK)2018 서울아트쇼 (서울 COEX)2014 KIAF (서울,코엑스전시홀) 외, SOAF부산BEXCO,대구 EXCO, YIAF 등 그룹전현대미술전 (서울,가가갤러리)목우회 정기전 (서울, 예술의 전당)한국-남아프리카 현대작가 교류전서초 GOOD Artist 기획초대전 (우덕갤러리)모란꽃 사생작가 초대전(감동문화원)등 수상 : (79,81년) 국전 2회 입선 현재 : 한국미술협회이사,목우회,한국여류작가회 Na YaGraduated Sejong University in 1977 (majored in painting).Solo Exhibition 4 times.Invited Exhibition for opening commemoration in Ga Ga Gallery 2013.Be selected in ‘Korea National Art Exhibition’ 2 times in 1979 and 1981.Participated in ‘Korea-South Africa Contemporary Artists International Exchange Exhibition’, ‘Korea-Japan Light Exhibition’, ‘International Culture Plus 2010 Tokyo & Seoul Exhibition’, ‘Sejong Fine Art Festival’, ‘Korea International Art Fair’, ‘Seoul Open Art Fair’, ‘Artshow Busan’, ‘Yeosu International Art Festival’, ‘Daegu Art Fair’.Present member of Korea Woman Artists Association, Mok Woo Association, and Korea Fine Arts Association (Director in Division of Western Painting II). 관리자 2022.05.11
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